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  • The Antwerp Six

    The Antwerp Six

    The Antwerp Six(安特卫普六君子)特展:六位改写时尚史的设计师故事,在安特卫普MoMu时尚博物馆再次呈现,将庆祝“安特卫普六君子”走向国际舞台 40 周年。这将是首次举办大型展览专门展示这六位标志性时装设计师的作品。

    1980年代中期,确切地说是1986年,六位崭露头角的年轻设计师──他们皆于1980至1982年间毕业于安特卫普皇家艺术学院──搭上同一车厢前往伦敦,准备在《British Designer Show》(英国设计师展)上展示自己的系列。当时的他们还不知道,这趟革命旅程将成为日后安特卫普跃升为全球时尚重镇的起点。他们分别是Dirk Bikkembergs、Ann Demeulemeester、Walter Van Beirendonck、Dries Van Noten、Dirk Van Saene 和 Marina Yee(于2025年11月逝世)。

    在80年代的时尚圈,米兰、巴黎与伦敦的伸展台见证着超级名模的诞生,Mugler、Montana、Versace等品牌的奢华魅力也风靡一时,而这群来自安特卫普的设计师却以极简、解构、内敛的美学,似乎与当时的环境格格不入。这种看似安静却力量十足的服装语言,也呼应了更早在巴黎掀起风潮的日本设计师川久保玲(Rei Kawakubo)与山本耀司(Yohji Yamamoto)。

    而这六位设计师皆出自Linda Loppa的门下,她担任皇家艺术学院时尚部门主任长达25年。他们不仅开启了安特卫普风格的时代,也替Raf Simons、Haider Ackermann、Veronique Branquinho、A.F. Vandevorst等后辈铺路;随着这六人的崛起,聚光灯亦大规模照向这座城市──比利时,安特卫普皇家艺术学院因此成为全球知名时装人才的摇篮,当前活跃的Demna及Glenn Martens同样毕业于此。

    虽然六位设计师在创作风格上各自独立,却有一个共同创造全新事物的信念。就像Marina Yee曾在访问中这么形容:「我们怀着不同的视野,却共享愿景,那就是,我们知道自己能带来一些新东西。」这场革命性的回顾之旅,将透过MoMu,于2026年3月28日至2027年1月17日间,以《The Antwerp Six》展览全面展出。展览从他们在安特卫普皇家艺术学院相遇作为开端,并一路循着六人的教育养成与职业道路来梳理。这将是首次有如此大规模的展览、专门聚焦于这群设计师,并提供难得视角,窥探他们的创作语言,以及彼此如何塑造当代时尚的走向。以下是这六位成员的介绍。

    Dries Van Noten

    或许是六君子中最广为人知的一位,Dries Van Noten成长于一个传统的裁缝家庭──祖父是裁缝师,父亲则经营一家男装店,而他的第一份工作,便是在父亲的店里担任男鞋采购。 1981年自皇家艺术学院毕业后,他开始着手打造自己的男装系列,并于1986年正式推出;1991年,他登上巴黎时装周舞台;1993年,再推出女装线。

    Marina Yee

    于2025年11月辞世的Marina Yee,一生在教学与经营自有品牌之间穿梭。离开安特卫普六君子后,她于1986年创立品牌「Marie」,运作至1990年,随后便投入教职──先后任教于图尔奈的圣卢克高等艺术学校(École Supérieure des Arts Saint‑Luc Tournai)、根特皇家艺术学院(KASK),以及海牙皇家艺术学院(KABK)。 2021年,Yee重返设计领域,与长期合作伙伴Rafaël Adriaensens共同创立M.Y. Collection。相较于其他成员在时尚圈的轨迹,Yee 选择与同行保持距离,因为她渴望以更永续、符合自身步调的方式工作,例如从古着店找来二手服装,再以解构、重制的方式赋予全新生命。

    Walter Van Beirendonck

    被视为六君子中最具政治性的设计师,Walter Van Beirendonck于1993年创立品牌W.&L.T(Wild and Lethal Trash),之后又推出Aesthetic Terrorists,两个品牌如今都已成为时尚收藏家追捧的经典。 2000年,他与Dirk Van Saene共同构思了首期《N°A》杂志,这份实验性出版物后来发展成我们今日熟悉的《A Magazine Curated By》。他的创作风格以鲜明的色彩、未来感造型,以及受漫画启发的趣味标语、图案与印花著称,并揉合着幽默、性、社会批判。而Beirendonck亦深耕教育界,自1985年起任教于安特卫普皇家艺术学院的时尚系至2002年;并从2007年起担任系主任,一直到2022年卸任,对后辈设计师的养成影响深远。

    Dirk Bikkembergs

    Dirk出生于德国科隆,多年来成功在时尚与运动之间建立起完美的连结。 1980年代后期,他开始在巴黎发表自己的系列,并于1993年推出女装线。 1998年,他设计出一款掳获着服装爱好者的经典单品──以金属鞋跟打造的皮革靴,靴筒则以两组附于鞋身的扣夹与弹性绳固定。进入2000年代,他推出Bikkembergs Sport系列而声名大噪。

    Ann Demeulemeester

    被誉为时尚界的「诗人」,Ann Demeulemeester毕业后于1985年与摄影师兼艺术家Patrick Robyn结婚,并共同创立同名品牌。 1986年,她因怀孕未随六君子一同前往伦敦,但仍委托团队代为展出她的眼镜系列。 1991年,她在巴黎发表首个女装系列;1996年再推出男装系列,并迅速在全球斩获成功。 2013年,她决定离开品牌,将心力转向陶艺与家具创作。音乐人Patti Smith是她的灵感缪思,也成为多年挚友,自大学时期便对她影响深远。 Demeulemeester的作品充满白与黑等极简色彩,搭配精良剪裁与简洁俐落的线条,以暗黑气息、浪漫且洗链的美学而闻名。

    Dirk Van Saene

    毕业后,Dirk Van Saene 在安特卫普开设了商店「Beauties & Heroes」,销售他的作品系列。他曾参与 Antwerp Six 集团,但在 1990 年代初期,他开始自行发表创作。他很快就离开了法国首都的聚光灯,以较缓慢的步伐专注于创作系列。多年来,他随后成为安特卫普美术学院的讲师,并确立了自己作为画家和陶艺家的地位。 2016 年,他的作品在 MoMu 举办「Rik Wouters & The Private Utopia」展览,以示庆祝。
    毕业后,Dirk Van Saene在安特卫普开设名为「Beauties & Heroes」的商店,贩售自己的设计。他虽然是安特卫普六君子的一员,但在1990年代初期便开始独立发表系列,不久后,渐渐自巴黎的聚光灯下退场,选择以更缓慢、自在的节奏创作。多年来,他回到安特卫普皇家艺术学院任教,同时以画家与陶艺家身分建立起另一条创作轨迹;2016年,MoMu借展览《Rik Wouters & The Private Utopia》向他的作品致敬。

    展览信息

    The Antwerp Six (免费参观)
    展期:2026.03.28-2027.01.17
    地点:MoMu
    地址:Nationalestraat 28 2000 Antwerp
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  • 迪特·拉姆斯 Dieter Rams:少,但更好

    迪特·拉姆斯 Dieter Rams:少,但更好

    被誉为二十世纪最具影响力的工业设计师之一,现年93岁的德国设计大师迪特·拉姆斯(Dieter Rams)经典回顾展正式登陆香港。由香港知专设计学院(HKDI)携手德国拉姆斯基金会、北京当代艺术基金会呈献的「迪特·拉姆斯:少,但更好」展览,即日起至2026年5月3日在HKDI Experience Centre展出。这是继北京及上海后,首次来港巡展,彰显HKDI致力将世界顶尖设计引入香港,推动本地设计教育及文化交流。

    迪特·拉姆斯曾长期效力德国家电品牌Braun博朗,并与家具制造商Vitsœ合作,设计出多件至今仍被广泛使用的经典作品,他的设计亦深远影响了AppleMuji等当代品牌。拉姆斯的设计哲学强调「少,但更好」(Less, but better),超前回应当今环境资源保护的全球性议题,并提出著名的「Ten principles for good design」:好的设计是创新的、实用的、美观的、易懂的、克制的、诚实的、经久耐用的、注重细节的、环保的、尽可能少的设计。这些原则至今仍影响全球设计界,体现功能与美学的完美平衡,启发后世对永续设计的思考。

    是次展览由德国拉姆斯基金会执行总监克劳斯·克莱姆普(Klaus Klemp)教授与北京当代艺术基金会理事长崔峤共同策展,呈现拉姆斯跨越半个世纪的创作脉络,及如何超前回应当下的可持续发展及环境责任议题。展品以其代表性的家具、家用电器、收音机、音响及摄影器材等经典作品为主,结合多件珍贵的设计作品、手稿、图片及影片,让香港设计界及公众近距离接触世界顶尖的设计。

    展览更特别增添「Ingeborg Rams 摄影作品」及「Braun博朗钟表及计数机」等两项全新内容。前者由迪特·拉姆斯的伴侣及重要合作伙伴英格博格·拉姆斯(Ingeborg Rams)拍摄,记录拉姆斯近半个世纪以来如何践行其设计理念;后者则展出「Braun博朗钟表及计数机」由折叠闹钟、数字台钟,到模拟、数字腕表的设计演变,展现拉姆斯及其长期合作伙伴、工业设计师迪特里希·卢布斯(Dietrich Lubs)对于「时间设计」的独到见解,为新一代设计师提供系统性的设计参考。

    展品不仅呈现拉姆斯如何在消费主义浪潮中坚持理性、延长产品耐用性,更体现「少,但更好」的理念:聚焦设计本质,创造人们真正需要且持久的产品,拒绝过度浪费。展览更将启发公众及新一代设计师,在资源有限的环境挑战下,秉持可持续思维及社会责任感,将「少,但更好」融入生活及创作。

    策展人克劳斯·克莱姆普(Klaus Klemp)教授表示:「『少,但更好』这一原则不仅适用于设计,亦可用在生活的各个面向,例如我们的生活安排、饮食,以及沟通方式等。」

    展览信息

    迪特·拉姆斯:少,但更好(免费参观)
    展期:2026.02.27-2026.05.03
    地点:香港知专设计学院Experience Centre
    地址:新界将军澳景岭路3号(港铁调景岭站A2出口)
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  • Andy Warhol: Serial Portraits

    Andy Warhol: Serial Portraits

    Andy Warhol 生于美国宾夕法尼亚州,父母是斯洛伐克移民 —— 这重身背景下,悄然为他后来观察 “大众文化” 埋下伏笔。1950 年代初,他已在纽约插画界崭露头角;步入 1960 年代,他更以颠覆性创作让 “波普艺术” 成为时代烙印:金汤宝罐头的整齐阵列、可口可乐的符号化复刻、玛丽莲・梦露的色块叠加…… 他一次次用切割、复印、重构的手法,拆解消费符号与偶像图像的边界,直言 “艺术与大众媒体本无分野”—— 商品可成为艺术母题,名人可化作批量复制的视觉符号,而他的 “工厂”(The Factory),正是用这种荒诞又真实的方式,记录下资本主义时代的文化图景。​

    如今,“Andy Warhol: Serial Portraits” 展览将聚焦他艺术生涯中最具辨识度的主题 —— 人像。展览汇集 1960 至 1980 年代的多元创作,从丝网印刷的鲜明色块,到摄影的细腻肌理,再到拼贴的层次碰撞,全面呈现他对人像艺术的探索轨迹。其中核心焦点,当属 1977 至 1986 年的 “Self-Portraits”(自画像)系列:既有享誉全球的经典之作,亦不乏鲜少公开的珍贵藏品,二者并置展出,恰似一把钥匙 —— 引领观众深入 Warhol 的艺术内核,读懂他对 “身份认同” 的追问、对 “名人效应” 的解构,以及对 “重复技法” 的极致实践。​

    本次展览由 Espace Louis Vuitton 精心策划,空间设计打破传统观展模式,格外注重观众间的互动共鸣。无论你是深谙波普艺术的资深爱好者,渴望在原作中触摸 Warhol 的创作逻辑;还是初遇 Andy Warhol 的年轻观众,想初探这场席卷时代的艺术浪潮 —— 都值得走进这里,与这位 “波普教父” 的人像世界对话。

    展览信息

    Andy Warhol: Serial Portraits
    展期:2025.10.02-2026.02.15
    地点:Espace Louis Vuitton Tokyo
    地址:7F Louis Vuitton Omotesando, 5-7-5 Jingumae, Shibuya, Tokyo
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  • DAVID HOCKNEY 25

    DAVID HOCKNEY 25

    英国艺术教父大卫· 霍克尼(David Hockney)有史以来规模最大的回顾展即将登场!将于巴黎的路易威登基金会(Fondation Louis Vuitton)博物馆展出。展期自 4 月 9 日至 8 月 31 日。展览将全面占据馆内 11 个展厅,展出超过 400 件、横跨 70 年的艺术创作。与一般传统回顾展不同的是,此展览部分由霍克尼亲自参与策划与构思,让观众能更深刻感受到这位艺术大师完整的创作视野与独特美学。

    大卫・霍克尼(David Hockney)亲自参与了本次展览的每一个环节,并与他的伴侣兼工作室经理尚-皮耶・冈萨尔维斯・德・利马(Jean-Pierre Gonçalves de Lima)一同策划展览内容。此次展览特别聚焦于他过去 25 年的创作,同时也涵盖他早期的代表性作品,为观众呈现横跨 70 年的创作全貌,提供难得一见的创作视角与艺术宇宙。

    大卫・霍克尼(David Hockney)来自英国,是 20 与 21 世纪最具影响力的艺术家之一,今年已迈入 87 岁高龄的他,每天都坚持画画,他透过这场规模宏大、打破传统流派的展览提醒我们,艺术仍然是一个反叛可以绽放的地方。这次的回顾展,霍克尼也下了一个标语:「 请记住,他们无法取消春天 」,完全展现他叛逆又风趣的艺术家性格。

    此次将展出霍克尼超过 400 件、横跨 1955 年至 2025 年的作品,包含来自世界各地博物馆、私人收藏的绘画作品,以及艺术家本人工作室与基金会所提供的珍藏。展品涵盖多种媒材,包括油画、压克力画、墨水、铅笔与炭笔素描,亦有数位创作(如 iPhone、iPad 绘图、摄影绘画等)与沉浸式影像装置,完整展现霍克尼创作生涯的丰富面貌。

    展览信息

    DAVID HOCKNEY 25
    展期:2025.04.09-2025.08.31
    地点:Fondation Louis Vuitton
    地址:Fondation Louis Vuitton 8 av. du Mahatma Gandhi
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  • Pirouette: Turning Points in Design

    Pirouette: Turning Points in Design

    纽约现代艺术博物馆(MoMA)的全新展览《Pirouette: Turning Points in Design》从1月26日开展,直到10月18日,以设计如何成为变革的推动力为主题,展出超过100件MoMA收藏的经典作品,涵盖从20世纪初至今的设计作品。

    展览名称:Pirouette,意指芭蕾舞中的旋转动作,象征设计在历史进程中的关键转折点。策展人Paola Antonelli表示:“每件物品都有自己的故事,而有些物品更是改写或创造了历史。”

    展览的作品展示了设计师如何透过实验、想像、严谨的研究,甚至是有趣的方法,来塑造和重新定义人类行为和体验。其中包括Tejo Remy于1991年创作的 You Can’t Lay Down Your Memory组合柜、Don Pettit于2008年为太空人设计的咖啡杯,以及Sabine Marcelis于2014年设计的 Candy Cube茶几。有些作品虽然未被大众所熟悉,但对其他设计师却产生了深远影响。

    此外,展览也展出了1979年推出的Sony Walkman、1983年的Apple Macintosh 128K,以及1977年由Art Fry和Spencer Silver发明的便利贴(Post-it Note)等革命性产品。这些设计本来只属实验性的项目,最终竟广泛流行,彻底改变了我们的生活方式。

    展览还涵盖了多个设计案例研究,例如Milton Glaser于1976年坐的士时随手画在信封背面的「I ♥ NY」标志,这个设计不仅为当时濒临崩溃的纽约市注入新希望,日后更成为全球知名的象征图案。此外,气候学家Ed Hawkins自2018年开始创作的「全球温度螺旋」视觉化图表,动态地呈现了数十年来每月的温度异常,具震憾性地展示全球平均温度的持续上升。

    「Pirouette」展览强调设计的演变本质及其对人类和其他物种的深远影响,透过突显每件作品的故事、背景和影响力,表达设计如何在重大社会和文化的变革时期,成为推动文明进步的催化剂。

    这个展览不仅对过去100年的设计作里程碑式回顾,更难得是,能让我们亲身接触这些经典作品,以及共同探索未来设计的可能性。

    展览信息

    Pirouette: Turning Points in Design
    展期:2025.01.26-2025.10.18
    地点:MoMA
    地址:11 West 53 Street, Manhattan New York, New York, 10019
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  • 贝聿铭:人生如建筑

    贝聿铭:人生如建筑

    首个贝聿铭(1917–2019)全面回顾展“贝聿铭:人生如建筑”,将巨细无遗地审视这位美籍华裔建筑大师的作品。贝聿铭的建筑项目备受瞩目,纵贯七十载,横跨辽阔地域,包括华盛顿国家美术馆东馆、巴黎大罗浮宫、香港中银大厦和多哈伊斯兰艺术博物馆。这些地标奠定贝聿铭在建筑史和流行文化的显赫地位,其人生跟事业,亦由权力关系、复杂的地缘政治、文化传统和世界各地千姿百态的城市风格互相交织,形成绚烂繁富的经历。他的跨文化视野,为当代世界奠下了基础。

    本展览分为六大主题──“贝聿铭的跨文化底蕴”、“房地产和都市重建”、“艺术与公共建筑”、“权力、政治与赏识青睐”、“物料改良与结构创新”和“以设计重新解读历史”。这些主题反映贝聿铭如何游刃于各种区域和地方脉络,以建筑造就文化生产和建构公共空间,并探索对于传统的崭新演绎。这些主题将贝聿铭的作品,与社会、文化及其人生轨迹交相对照,显示建筑和生活之密不可分。

    Webb & Knapp, elevation of entrance and lower floors, Helix (1948–1949; unbuilt), New York c1948 watercolour on paper. Photograph: M+, Hong Kong, digitised with permission © Pei Cobb Freed & Partners

    展品将包罗一系列绘图、草图、录像、模型、相片和多项档案纪录,当中不少为首次曝光。展览亦透过当代眼光去看贝聿铭的作品,同场展示多幅由新一代摄影师操刀的全新委约照片,呈现贝聿铭一些经典和较少人熟悉的建筑,参与摄影师包括何兆南、久保田奈穗、李国民、乔瓦娜 · 席尔瓦、穆罕默德 · 萨姆吉、田方方和米田知子。此外,展览跟香港大学和香港中文大学的建筑学院合作,制作模型展现贝聿铭建成和未实现的项目。

    展览信息

    贝聿铭:人生如建筑 I M Pei
    展期:2024.06.29-2025.01.05(周一休馆)
    地点:香港M+(西展厅)
    地址:香港九龙博物馆道38号西九文化区M+
    费用:正价门票:港币160元 / 特惠门票:港币80元 / 正价套票:港币240元 / 特惠套票:港币120元
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  • 时尚宣言|嘉柏丽尔·香奈儿

    时尚宣言|嘉柏丽尔·香奈儿

    上海当代艺术博物馆(PSA)携手巴黎市立时尚博物馆加列拉宫(Palais Galliera, Fashion Museum of Paris, Paris Musées),于2024年7月12日至11月24日共同呈现《时尚宣言|嘉柏丽尔·香奈儿》展览。本次展览是时尚设计师嘉柏丽尔·香奈儿在中国的首个作品回顾展,由香奈儿品牌独家支持。展览由Diller Scofidio + Renfro建筑事务所(DS+R)担任展陈设计,何见平担任视觉系统设计。

    20世纪初,过盛的装饰风格主导着西方女性时尚,嘉柏丽尔·香奈儿设计的服装以极简和精确的特质在高级定制服领域掀起了革命,解放了同时代女性的身体,最终形成一种时尚宣言。

    本次展览以全新视角,聚焦嘉柏丽尔·香奈儿创造的经典风格。她所使用的技艺与材质将在此展示,诠释其美学选择与追求极致的立场。

    展览按时间顺序和主题策划共同展开,由两个主要章节构成,分别展示了香奈儿女士自1910年代到1930年代的创作,以及1954年至1971年重回时尚界后的作品。她的职业初期以其一系列标志性作品开启,包括著名的jersey针织面料横纹水手衫——该设计元素于1913年首次出现在香奈儿系列作品中。从1910年代的运动风格服饰和小黑裙,到诞生于1920年代精美的连衣裙,香奈儿风格的发展与演进脉络清晰可见。展览的第一部分聚焦简约、年轻、动感、魅力等创作理念,它们自香奈儿职业生涯伊始就被媒体频繁提及。凭借一系列风格独特的作品,这些理念在展览中得以完美展现,尽显嘉柏丽尔·香奈儿设计的独特性。

    此外,展览旨在呈现嘉柏丽尔·香奈儿始终如一的创作理念,讲述她的服装、美容品、配饰、珠宝作品是如何形成连贯整体,最终形塑为统一风格。因此,一个专属展厅将展示诞生于1921年的香奈儿5号香水,它是嘉柏丽尔·香奈儿创作精神的典范之作。

    展览第二部分涵盖了香奈儿女士1950年代之后的创作,直至她于1971年推出的最后一个系列。香奈儿在1954年回归高级定制服的世界,她逆潮流而行,重申其时尚宣言。通过编结滚边的斜纹软呢套装、双色鞋和2.55菱格纹手袋,观众得以解析香奈儿品牌的风格法则。搭配织金套装的服饰珠宝和高级珠宝作品,与香奈儿服装的简约克制形成鲜明对比,让人联想到她所擅长运用的对比手法。展览尾声精选的一组设计和两部影像阐述了嘉柏丽尔·香奈儿晚期的最后几个系列,展现了她对创作的一贯追求与自我更新。她忠于自己的风格,与所处时代的潮流背道而驰,是一位不折不扣的先锋派。1921年4月,巴黎版Vogue报道:“香奈儿几乎从未改变过自己的风格,这恰恰是她的优势所在。”

    作为延展内容,展览的每个主题还辅以嘉柏丽尔·香奈儿的肖像照片。通过对作品的亲身演绎,设计师本人成为了品牌的化身。

    《时尚宣言|嘉柏丽尔·香奈儿》展览邀请观众步入并探索隽永风格的宇宙,此中呈现多达200余件作品,包括来自加列拉宫和香奈儿品牌传承部收藏,以及纽约大都会博物馆、洛杉矶亚利桑那州立大学FIDM博物馆、巴黎装饰艺术博物馆和阿莱亚基金会等多座国际博物馆及艺术机构珍藏。

    展览信息

    时尚宣言|嘉柏丽尔·香奈儿
    展期:2024.07.12-2024.11.24(逢周一闭馆)
    地点:上海当代艺术博物馆2楼
    主办:上海当代艺术博物馆、巴黎市立时尚博物馆加列拉宫
    地址:上海市黄浦区苗江路678号
    费用:50-100元
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  • 肖恩•斯库利 Sean Scully:离开海水的地方 Away from the Sea

    肖恩•斯库利 Sean Scully:离开海水的地方 Away from the Sea

    2024年8月2日起,和美术馆呈现当代艺术家肖恩·斯库利(Sean Scully)大型个展“离开海水的地方 Away from the Sea”,展出艺术家自20世纪60年代以来,横跨超过半个世纪的40组绘画及雕塑作品。

    斯库利的职业生涯开始于对极简主义与欧普主义结合的尝试,使用层叠的“超级网格”创作作品。上世纪80年代早期,他开始反思过往的创作方式,并试图在其中融入精神性的隐喻,形成了他沿用至今、以条纹与色块为主导的视觉风格。在技法上,他的作品吸收了艺术史的广泛传统——从美国抽象表现主义(马克·罗斯科、杰克逊·波洛克等)到欧洲现代主义(亨利·马蒂斯、皮特·蒙德里安等),古希腊建筑也是其参考对象之一。斯库利的作品虽然规模宏大、结构俨然,但细腻、真诚的情感始终是其创作的核心。

    童年漂泊的经历使肖恩·斯库利一生热衷旅行,其诸多创作均是对旅途和景观的感性描绘。他在吉普赛人的家里避难,在伦敦的几个贫民窟辗转流浪,祖母的歌声散落其间——“当爱尔兰人的眼睛微笑,清泉也随之流淌”。后来,在摩洛哥、墨西哥或者巴塞罗那,以都柏林濒临潮汐的眼睛,他描述那里轻柔的光线与无垠的夜色。情动的色块在他的绘画与雕塑中堆叠,仿佛世界与情感永恒波动的证据。

    “我的画作述说关系,探讨身体如何结合在一起,如何触碰,如何分开,如何和谐或不和谐地生活在一起。我的画作抽象地说人类关系如何形成与消失的故事。”

    肖恩·斯库利 Sean Scully
    爱尔兰都柏林 生于1945年

    斯库利从小就拥有成为艺术家的愿景,他于1962年至1965年在伦敦中央艺术学院的夜校学习,并于1965年至1968年在伦敦克罗伊登艺术学院进行全日制学习。1972年,他获得纽卡斯尔大学的学士学位。同年,他获得哈佛大学弗兰克·诺克斯奖学金,并第一次造访美国,后于1975年移居纽约。目前他于纽约和巴伐利亚生活和工作。

    在横跨五十年的职业生涯里,斯库利获得了众多赞誉,并多次推出巡回展览。2014年,他成为首位在中国举办回顾展的西方艺术家。展览「随心而行:肖恩·斯库利艺术展,1964-2014」(Follow the Heart: The Art of Sean Scully 1964-2014) 先后在上海和北京举办,展出了逾100幅画作。斯库利于2013年成为伦敦皇家艺术学院的成员,并获得了一系列学府的荣誉学位,包括麻省艺术学院,波士顿;爱尔兰国立大学,都柏林;米格尔·埃尔南德斯大学,瓦伦西亚;爱尔兰国立大学伯伦艺术学院;英国纽卡斯尔大学等。Hatje Cantz 出版社于2014年推出斯库利与备受崇敬的艺术评论家亚瑟·丹托 (Arthur Danto ) 的一系列文章和对话,斯库利于2016年发布著作《深处》 (Inner),其中包含了艺术家撰写的文章、精选演讲和采访。

    展览:离开海水的地方 Away from the Sea

    距离一九四九年举家搬离都柏林,已经过去四分之三个世纪。

    肖恩·斯库利身穿白色工作服站在画布前,左手提着颜料桶,右手握住笔刷。他画画时一言不发,身体有节奏地晃动着,很难说清是手腕带动身体,还是身体驱动手腕。过一会儿他停下来,稍稍退后几步,用手帕擦脸,然后定睛看着刚刚画上的色块。

    他将另一个色块画在刚刚那个的下方,随着手腕的摆动,它们的边缘变得模糊,每一次都改变着边缘的纹理。两个色块彼此亲抚、交战、和解、分离,随后更多色块加入进来。仿佛洋流交汇。色块与条纹都是真正的实体,肖恩·斯库利将之视为世界与情感永恒波动的证据,五十年来他一直在画它们。有时候一个炙热的红,落日或者火焰,会被处理成天蓝色或者祖母绿吗,没有人确切知道,创作是时间的谜底。

    他已经去过太多地方,抽象是生命的流放。童年时代在吉普赛人的家里避难,在伦敦的几个贫民窟辗转流浪,祖母的歌声散落其间——“当爱尔兰人的眼睛微笑,清泉也随之流淌”。后来,在摩洛哥、墨西哥或者巴塞罗那,以都柏林濒临潮汐的眼睛,他描述那里轻柔的光线与无垠的夜色。情动的色块以绘画或者雕塑的形式堆叠,如此自治,轻视重力。

    肖恩·斯库利来过中国多次,通常是更北的地方。他的作品如今终于深入南方的腹地。在和美术馆,绘画与雕塑中的色彩会随着日光的厚薄泛起或浅或深的涟漪。人们将目光投掷,如同投石子入海。

    展览信息

    肖恩•斯库利 Sean Scully:离开海水的地方 Away from the Sea
    展期:2024.08.02-2024.10.27 10:00–18:00
    地点:和美术馆
    地址:广东省佛山市顺德区北滘新城美和路6号
    费用:150元(成人价)起,85元(学生价)起
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  • 薇薇安·萨森《磷光体: 艺术 & 时尚 1990-2023》

    薇薇安·萨森《磷光体: 艺术 & 时尚 1990-2023》

    Fotografiska 影像艺术中心将于2024年6月8日至2024年8月25日呈现荷兰著名艺术家薇薇安·萨森(Viviane Sassen)国内首次大型回顾展《磷光体:艺术&时尚1990-2023》(PHOSPHOR:Art & Fashion 1990-2023)。

    本次展览首次汇集了萨森最具代表性的系列,包括“暗影”、“词典”、“凤凰木”,以及之前从未展示过的档案材料、跨媒介作品和视频装置,追溯了她三十年的创作。本次展览由 Fotografiska 影像艺术中心与欧洲摄影博物馆 (MEP) 合作,并得到展览合作伙伴 JIL SANDER 和荷兰王国驻上海总领事馆的特别支持。

    薇薇安·萨森《磷光体: 艺术 & 时尚 1990-2023》

    “我一直希望这些阴影能像一面镜子一样,让人们反思自己,并审视自己对他人先入为主的看法。”

    薇薇安·萨森

    关于展览

    薇薇安·萨森《磷光体: 艺术 & 时尚 1990-2023》

    内省之旅(2004-2014)
    展览以艺术家2004年至2014年在肯尼亚和南非创作的内省和私密作品开场。薇薇安·萨森在两岁到五岁之间住在肯尼亚的一个村庄,她的父亲是当地医院的医生。她将这段时期描述“魔幻思维年代”,她的脑海中充满了带着早年强烈的情感和清晰图像的回忆:光、影、色、人、星空构成了她摄影作品中的记忆点。十年后,十几岁的她与父母一起回到肯尼亚,并于2001年再次回到那里拍摄。回到她度过早期童年时光的村庄,她的记忆与想象交织在一起。从这种组合中萌生了“凤凰木”,“睡眠异常症”和“暗影”系列作品,可被理解为一次内省之旅。萨森将她在肯尼亚生活的回忆与这片土地的现实相结合,创造了高度个人化的影像作品。她使用熟悉的风格化工具——阴影、构图、色彩,将身体作为雕塑对象——并将这些不同部分组合起来。从这些组合中,萨森创造了荒谬、出乎意料的身体与视觉语言的多维度表达。

    薇薇安·萨森《磷光体: 艺术 & 时尚 1990-2023》

    新叙事(2014-2020)
    “维纳斯与水银”,是萨森在2020年为特里亚农庄园《可见/看不见》(Visible/Invisible)展览进行的创作。在6个月时间内,萨森获得了凡尔赛宫的私人访问特权,并被邀请探索记录宫殿及其居住者历史的档案。在完成这项研究后,萨森创作了一系列照片、拼贴画和视频装置,唤起围绕情色、权力、疾病和死亡的主题思考。萨森受到17世纪和18世纪法国宫廷故事的启发,邀请了一群在宫殿附近长大的年轻女性参与了她的项目,并将这些故事放在当下的叙事语境中。该系列的标题灵感来自于谚语“与维纳斯共度一夜,与水银共度一生”(A night with Venus, a life with Mercury)。”水银”暗指汞作为一种有毒物质,被用来治疗梅毒,一种当时席卷凡尔赛及其宫廷的性传播疾病。最后,不出所料,汞造成的伤害甚至比疾病本身还要大。

    薇薇安·萨森《磷光体: 艺术 & 时尚 1990-2023》

    萨森与超现实主义(2017-2022)
    这个部分为薇薇安·萨森结合了绘画、颜料和拼贴的系列作品。蘑菇在女性的身体上发芽,混合生物体以无序的方式覆盖着墙壁,物体和身体的碎片与奇怪的景观融合在一起。这里汇集了其最具实验性的一些系列作品,包括:2017年的“泥浆与莲花”、2021年的“绘画研究”、2020年的“后果/精美的尸骸”和2022年的“现代炼金术”。其中大部分是在早期摄影作品基础上,使用颜料或拼贴进行了再创作。2017年开始,萨森就一直尝试结合人体肢体、动物和植物的形态。这些作品极具美感,也更发人深省,以一种新的方式来看待世界,以及我们在其中的位置。

    薇薇安·萨森《磷光体: 艺术 & 时尚 1990-2023》

    艺术语言的发展(1990-2001)
    展览将回顾艺术家的早期作品,观者将在此版块中看到从未展出过的作品,包括她个人档案中的物品(特别是她在艺术学校的速写本)、第一张自画像、她的毕业摄影项目和“对开本”系列。这些元素一起揭示了萨森视觉语言的源起:我们已经可以发现她对身体雕塑的研究、她对几何形状及碎片的探索、她对颜色的运用,以及在她创作中阴影和颜料的使用。尽管这其中包含了多样性的创作技法,但萨森在创作风格上却是极其连贯的,无论是描绘的对象亦或是她的“视觉表达”。

    薇薇安·萨森《磷光体: 艺术 & 时尚 1990-2023》

    时尚摄影和实验(2001-2023)
    展览以萨森整个职业生涯中的实验性创作作为结尾。在求学期间,萨森与时尚界一直保持着密切联系,在她转向摄影之前学习时装设计。她为乌得勒支艺术学院正在准备毕业作品的时装设计专业学生拍摄,并与艺术家兼造型师埃米琳·德·穆伊合作,为《紫色》和《库特》等独立杂志拍摄照片。多年来,她与时尚界的联系越来越紧密;她曾与不计其数的知名品牌合作,其中迪奥、卡纷、M-米索尼、斯特拉·麦卡特尼/阿迪达斯、路易·威登、雅克穆斯和德赖斯·范诺顿。萨森的创作得到了广泛认可,她的风格与传统的时尚摄影形成鲜明对比,亦受到青睐。在她的视角中,身体和服装变成了雕塑材料,与原始环境中的绚丽色彩结合。融合了不同时期的作品,她的时尚实践展示中鲜明地展现了她的创作表达的维度。

    关于艺术家

    薇薇安·萨森

    薇薇安·萨森 (生于1972年) 荷兰艺术家,现居阿姆斯特丹。其幼儿时期曾住在肯尼亚,目前生活、工作于阿姆斯特丹。萨森最初在阿纳姆皇家学院(Royal Academy in Arnhem)学习时装设计,后转到乌得勒支艺术学院(The Utrecht School of the Arts (HKU) )学习摄影,并最终于阿纳姆皇家学院(Royal Academy in Arnhem)获得纯艺硕士学位。1992年毕业后,萨森全身心地投入到摄影中,同时作为艺术家与时尚摄影师,从这种双重轨迹出发,她建立了一种独特而又不拘一格的视觉作品。

    作为一名在时尚和艺术领域都有所成就的摄影师,其作品在世界各地广泛出版和展出,包括于2012年在阿姆斯特丹马赛屋摄影博物馆(Huis Marseille, Amsterdam)举办的In and Out of Fashion;2014年,鹿特丹荷兰摄影博物馆(Nederlands Fotomuseum, Rotterdam)展出的Umbra;2015年,伦敦摄影师艺廊的个展(The Photographers’ Gallery, London);2015年,伦敦艺术学院(ICA,London)展出的Pikin Slee;2017年,分别于Fotografiska斯德哥尔摩及芝加哥当代摄影博物馆(Museum of Contemporary Photography, Chicago)的个展Umbra;

    萨森还参加了许多群展,包括2011年在纽约现代艺术博物馆(Museum of Modern Art, New York)举办的《新摄影》(New Photography)、“不要时尚,请!”( No Fashion, Please!);2011年,维也纳美术馆(Kunsthalle, Vienna)《性别与生活方式之间的摄影》(Photography between gender and lifestyle);2016年,德国弗莱堡新艺术博物馆(Museum für Neue Kunst Freiburg, Germany);2016年在兹沃勒基金会博物馆(Museum de Fundatie, Zwolle);2017年,普利策艺术基金会(Pulitzer Arts Foundation);2017年,阿姆斯特丹国立博物馆(Rijksmuseum, Amsterdam);2018年,中央美术学院美术馆(CAFA Museum, Chine);2020年在旧金山McEvoy艺术基金会(McEvoy Foundation for the Arts, San Francisco);2022年在温特图尔Fotomuseum。

    2013年,她的作品在第55届威尼斯双年展(55th Venice Biennale )《百科全书宫》(The Encyclopedic Palace)的主展上展出。

    薇薇安·萨森的作品不仅在全球展出,有多本画册出版,并获得了无数奖项:2007年,获得了荷兰艺术奖 —— 罗马奖(Prix de Rome);2011年,成功斩获了纽约国际摄影中心的应用/时尚/广告摄影的无限奖;2015年,她被授予德国摄影学院的大卫-奥克塔维斯-希尔(David Octavius Hill)奖章,并因其展览Umbra而被提名为德国交易所摄影奖(Deutsche Borse Prize);同年被英国皇家摄影协会(Royal Photographic Society)授予荣誉院士称号。2011年,萨森被列入现代艺术博物馆新摄影展的名单,并为Miu Miu、Stella McCartney和Louis Vuitton等公司创作广告。

    展览信息

    薇薇安·萨森《磷光体: 艺术 & 时尚 1990-2023》
    展期:2024.06.08-2024.08.25 10:30–23:00(周一闭馆)
    地点:Fotografiska影像艺术中心
    地址:上海市静安区光复路127号
    费用:120元(成人价)起
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  • 蔡赟骅 JACKY TSAI:万象与留白

    蔡赟骅 JACKY TSAI:万象与留白

    2023年11月07日至2024年1月1日,艺术家 蔡赟骅JACKY TSAI 深圳首展将在深圳市当代艺术和城市规划馆举办。展览名为“万象与留白”,万象是蔡赟骅作品中无限的缤纷和繁复,而留白则反映其创作信念中的深邃与包容。蔡赟骅的作品看似描绘了一个个梦境或另一种现实,但他作品的核心映射并强调了我们身处现实的特性。当艺术拒绝经验世界时,它不是一种逃避,而是艺术在认可现实世界的首要性。本次展览中呈现的四十余件囊括艺术家创作生涯的作品,蕴含着其对生命,哲学,禅宗和自然的丰富感受。

    蔡赟骅JACKY TSAI:
    A JOURNEY OF ALL AND NONE
    万象与留白

    艺术通过掘弃现实而为现实进行辩护。
    这并非是一种逃避主义形式,
    而是艺术的承继特性。

    —西奥多·阿多诺

    艺术家简介

    蔡赟骅(Jacky Tsai)极富想象力地将东方传统意义上的艺术技巧和意象与西方波普及流行文化元素相融合,通过艺术创作寻求东西文化之间的平衡与和谐。蔡赟骅的创作媒介涉及绘画、雕塑、装置、丝网印刷、数字艺术等。其作品对中国传统艺术技艺的运用使过去、现在、未来的时间概念浓缩并交汇在他的跨媒体艺术创作中。近期,蔡赟骅成为亚洲首位将其传统艺术转化为数字艺术及可编程作品的艺术家。2022年10月,他被香港“数字艺术节”表彰为“年度艺术家”,且其展出的艺术作品同期在香港苏富比成功拍出。

    蔡赟骅曾在中国美术学院读取文学学士学位,之后前往伦敦艺术大学的中央圣马丁学院学习。他的作品在世界各地展出,包括伦敦、莫斯科、香港、纽约、新加坡和上海等地都举办过其大型展览。2021年8月,蔡赟骅在上海复星艺术中心举办了其在中国大陆的首个个人回顾展。除此之外,他还在莫斯科现代艺术博物馆、伦敦Unit London画廊、曼谷当代艺术博物馆以及首尔Museum Wave举办过个展。其作品被国内外重要藏家及机构关注和收藏。

    展览信息

    蔡赟骅 JACKY TSAI:万象与留白
    展期:2023.11.07-2024.01.01(周一闭馆)
    地点:深圳市当代艺术与城市规划馆
    地址:深圳福田区福中路184號
    费用:78(单人价)起
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  • “80X80”——艺术织毯邀请展

    “80X80”——艺术织毯邀请展

    本次展览由日本设计师浅叶克己与华裔设计师何见平共同策划,邀请全球近80位不同视觉艺术领域的创作者参展,以「手工织毯」为载体,表达各自的艺术观念并回应当下。

    展览源起于浅叶克己80岁生日之际,好友何见平赞叹其多才多艺——既是设计师、书法家,也是专业乒乓球运动员,而浅叶克己回应称这些可视为一种「能力平移」。何见平临时激发出对跨界创作的想法——「自己的创意,借助陌生材料或技术,有时会有莫大的惊喜。」

    两人由此发起「80×80」跨界创意项目,邀请近80位友人参与,包括建筑师阪茂、伊东丰雄、隈研吾、张永和,设计师原研哉、M/M Paris、黄炳培,艺术家井上有一、刘小东、日比野克彦等。织毯因其灵活性、可塑性和强烈的质感,成为该项目的表达语言。面对这一新的媒介,创作者们所生发的新的灵感与创意将在本次展览中得到呈现。

    展览信息

    “80X80”——艺术织毯邀请展

    展期:2023.04.22-2023.07.05

    地点:海上世界文化艺术中心(L2联合国教科文组织展厅)

    地址:深圳市南山区蛇口望海路1187号

    费用:68元( 购买链接

    「胡萝卜钢琴」挂毯,浅叶克己

    浅叶克己在逾40年的设计生涯中,创作了大量的平面设计作品,尤以字体设计方面成就最为突出。展览也将并列展出浅叶克己的约80幅平面作品,系统回顾其设计实践的历程。

    部分展品:

    「绵长的检索页」挂毯,何见平
  • 毕加索全新视角收藏展

    毕加索全新视角收藏展

    保罗.史密斯(Paul Smith)对自己在巴黎毕加索博物馆策划的展览充满热情,并说道:「这里的布景设计如同我的生活般充满创意和色彩!」展览「Picasso Celebration: The Collection in a New Light」为博物馆的永久收藏注入了全新的活力,这要归功于这位76岁的不列颠人所运用的丰富色彩与灯光。在毕加索(1881-1973)逝世50周年之际,大西洋两岸的许多机构都正向这位世界上展出最多的艺术家之一致敬,但还有谁能比保罗.史密斯更适合接手这样的项目呢?这位象征时尚界自由精神的设计师于1970年推出了自己的品牌,以其对色彩和条纹的运用而闻名且备受赞誉。每一季,他都会涉猎所有引起他注意的事物,从时尚到设计,从自行车到汽车,以及策划展览。

    纵观博物馆的三层楼,史密斯为其中几间房注入了他标志性的鲜艳色彩。他首先将游客带进一个回应毕加索忧郁时期画作的蓝色世界;之后会进入一个呼应毕加索名作《亚维农的少女》(Les Demoiselles d’Avignon,1907)的红色和粉红色房间中;除此之外,在一个充斥着爵士乐手Thelonious Monk音乐的房间里专门陈列了1950年代作品。展览汇集了数十件杰作,凭借史密斯称之为「疯狂」和「古怪」的视角来展现博物馆藏品的丰富性。值此之际,史密斯将回顾四个令他印象深刻的作品:

    当单车座垫变成雕塑

    「我从12岁到18岁都是职业单车手。虽然已有一段时间没有踩单车,但我仍然对这项运动相关的活动充满热情。因此我提及这个由单车座垫创作而成的雕塑的原因显而易见!它联系了毕加索和我。另一个联系是我也像毕加索一样会透过自己重用或收集的物品汲取创作灵感:我偌大的工作室里装满了自己收集的奇怪物品,原因可能是它们很漂亮,细小,柔软,巨大,坚硬……实际上,我俩创作过程中的相似之处可能就是博物馆选择我策展这次展览的原因之一。」

    毕加索的灵感之一:戏剧感贯穿整场展览

    「这幅画的色彩组合深深打动了我,我几乎想将之称为乐观主义的绘画。毕加索20年前(1905年)已经将自己刻画成穿着小丑服装的样子,在这次展出的《Paul en Arlequin》(1924)中,毕加索绘画了他的儿子(他也叫保罗!)穿着同样花哨的衣服。我首选那幅画是因为它呼应了艺术家的家族史,但更重要的是因为它涉及剧场和毕加索运用的戏剧手法。起初,我打算设计一个戏剧场景,所以我把《Paul en Arlequin》放在走廊尽头的墙上,并用相同的黄色和蓝色菱形图案覆盖整个画面。如此,从前面两间房就已经一目了然这幅画像,随后会是一个让人大开眼界的时刻——一个真正的转折(coup de théâtre)!」

    毕加索有很长一段时间都在画动物尸体静物画,他突然在1950年代对动物产生了浓厚的兴趣,并制作了这个独特的山羊雕塑。从原始石膏模可见,它的半身以旧篮子制作,脊椎使用了棕榈叶,而腿是用瓶子做,其后他以青铜铸造了整个雕塑。我可以完全体会到组装的过程:细心留意日常物件,然后将它们转化为美丽及意想不到的东西。最重要的是,这件雕塑见证了毕加索在整个职业生涯中重塑自我的能力:从黑暗忧郁的蓝色时期到发光发热的粉红色时期,再到立体主义时期,这种对重塑的渴望与追求使我感同身受。我当时装设计师已经很久了,我认为自己在这个行业的年资可以与毕加索在艺术界的存在相提并论:我们都对所有艺术形式感兴趣,并在创作过程和生涯间存在联系,而这次展览便是证明。 」

    展览信息

    Picasso Celebration: The Collection In A New Light!

    展期:2023.03.07-2023.08.27

    地点:musée Picasso, 5, rue de Thorigny, Paris 3e.

    图片:
    2023年巴黎毕加索博物馆「Picasso Celebration: The Collection in a New Light」展览现场,图片由巴黎毕加索博物馆提供。